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Aunque en las presentaciones de clase nos estaremos refiriendo a esta cronología, la misma no se discutirá detalladamente.
CAMBIOS EN
EL CONCEPTO Y LA(S) FUNCIÓN(ES) DE LAS ARTES VISUALES
La evolución del concepto y la función de las artes visuales a lo
largo de la historia de la humanidad responden a varios factores relacionados
entre si: la evolución en la organización social y la estructura de poder
imperante, a las principales actividades económicas y el nivel de desarrollo
tecnológico de los grupos de seres humanos. Estos, generalmente se dan en
continuo evolutivo siguiendo un estricto orden, aunque es importante mencionar
que no ocurrieron en todas partes del mundo en el mismo momento como es el
clásico ejemplo de los imperios de de los Mayas, Aztecas e Incas que
corresponden a las civilizaciones antiguas de Egipto y Babilonia, pero ocurren
más tardíamente en el continente americano.
Organización
social
|
Actividad
económica
|
Nivel
Tecnológico
|
Concepto
y función del Arte
|
Clanes familiares
(Nómadas)
|
Recolección y caza de subsistencia
|
Paleolítico
|
1.
|
Tribus y
Confederaciones (Sedentarios)
|
Suplementado con agricultura y pastoreo de subsistencia e inicios de
actividad comercial. Tribal-Tributario
|
Neolítico Cerámico
|
2.
|
Civilizaciones antiguas
y
Civilizaciones Clásicas
(Centros Urbanos -
Imperiales)
|
Agricultura y pastoreo con excedente y actividad comercial.
Feudalismo
|
Metalurgia
|
3.
|
Civilizaciones
avanzadas: De las monarquías a las revoluciones nacionales y sociales
|
Agricultura y
manufactura industrializada y actividad comercial
Del feudalismo al capitalismo
|
Complejo Industrial
|
4.
|
Civilización
Globalizada
(transnacional)
|
Agricultura y manufactura industrializada, industria de servicios y
comunicación y actividad comercial. Sistema capitalista
|
Electrónica y Comunicación masiva
|
5.
|
1. Sociedades Tradicionales - Clanes familiares
•
Las expresiones de la creatividad humana eran apreciadas
por su calidad técnica y expresiva, objetos únicos, representativos de
virtuosismo (destrezas especializadas) en la manipulación de materiales
(medios) para crear objetos atractivos: que apelaban a los sentidos, que generaban
sorpresa, que llamaban y sostenían la atención. Que, en general, apelaban al concepto universal de la
belleza. La capacidad para hacer estos objetos ejemplificaba la
"calidad" humana, la aptitud de los productores - su creatividad, su
inventiva, sus destrezas. (Darwin - selección de los más aptos y selección
sexual.)
•
Los objetos de uso diario/común eran diseñados para
cumplir con su función práctica… resolver el problema de una forma eficiente (como
en el diseño.)
•
Los de uso/función ceremonial (parafernalia mágico/religiosa)
y/o símbolos de poder que fueron creados con especial atención a su calidad
técnica y expresiva.
-
Diseñados con imágenes o formas (descriptivas y/o
simbólicas), alusivas a sus creencias religiosas, a su historia y a su visión
del mundo.
-
Frecuentemente siguiendo estrictos cánones y reglas
de creación (modelos, estilos, elementos del arte y el diseño, etc.)
-
Manufacturados por especialistas con conocimiento
técnico privilegiado, en algunos casos exentos de otros trabajos.
-
Hechos con los materiales más escasos (menos
accesibles), los más duraderos, los mejores y más vistosos (colorido, capacidad
para pulido, etc.)
2. Sociedades Tradicionales - Tribus y
confederaciones tribales
•
En sociedades más complejas (tribales) y en adelante,
los artistas / artesanos eran parte o estaban subordinados a la elite social,
al poder político, religioso y económico. La posesión (y la colección)
de estos objetos identificaba y era representativa (casi exclusivamente) de esa
elite social/política/religiosa según documentan los investigadores y
evidencian los hallazgos en enterramientos rituales.
•
Las expresiones de la creatividad humana se
apreciaban y se coleccionaban:
- por su valor
intrínseco (calidad técnica y expresiva)
- por su
capacidad para representar/identificar poder (social/político, económico
y religioso)
- por su
capacidad para documentar (comunicar/representar) y celebrar la historia de grupos culturales
(medios no verbales o escritos)
- por su
capacidad para trasmitir/promover la cosmovisión colectiva (proselitismo
de creencias religiosas, su visión del mundo.)
3. De las Civilizaciones Antiguas al S. 18
• Aunque, en
las grandes civilizaciones imperiales del mundo occidental, Mesopotamia, Egipto,
todavía no existía una clara distinción entre las artes y la artesanía,
comenzando con la Civilización Griega y definitivamente a partir del S.16
(el Renacimiento Europeo) ya se empezaba a establecer una diferenciación
filosófica, conceptual y académica (1ra academia de arte en 1562 - Vasari)
entre las Bellas Artes y las Artes Aplicadas, entre artistas y artesanos, entre
objetos de arte y otros objetos bien hechos.
•
El crecimiento de la actividad comercial y
eventualmente el desarrollo del capitalismo (S.16 - 18) estimula el crecimiento
de una nueva clase adinerada, los comerciantes (ya no solo reyes y nobles
y líderes religiosos), que emula a las antiguas elites en el
"consumo" de obras de arte. Según lo habían hecho hasta ese momento
exclusivamente la realeza y prelados, estos fungen como mecenas, auspiciadores
de artistas y coleccionistas de arte, incrementando el mercado del arte.
•
Las obras de arte además de continuar siendo
reconocidas por todas las razones antes mencionadas, también comienzan a ser
coleccionadas (comercializadas, compradas y vendidas) por su valor de
intercambio (pre-capitalismo.)
4. El S. 19
•
La diferenciación entre objetos de arte y objetos
puramente funcionales definitivamente surge a partir de la Revolución
Industrial (y del capitalismo), en el momento en que se comienza a fabricar
objetos que son manufacturados en líneas de producción en masa (finales del
S.19 principios del S.20.)
•
Previo a la revolución industrial la palabra arte
todavía se refería generalmente a la destreza para producir objetos útiles de
buena calidad y en el contexto del anacrónico y prejuiciado concepto de las Bellas
Artes, que identificaba las expresiones de arte sancionadas por los poderes
civiles y/o religiosos. A partir de la revolución industrial se empieza a
identificar la palabra arte con objetos que son principalmente producto de
expresiones individuales de los artistas.
•
Con el desarrollo del capitalismo, también continúa
el avance del concepto de arte como bien capital. Se comienzan a establecer
galerías de arte comerciales, dedicadas a la venta de objetos de arte
disponibles al mejor postor (ya no solo para nobles y religiosos) y cobrándose
una comisión por la venta.
•
Los dramáticos cambios en la visión estética, la
temática, en el uso de los elementos formales y las funciones del arte que se
ponen de manifiesto durante el S.19 (aunque viene evolucionando desde el S. 18)
son estimulados por eventos significativos como:
- El uso
generalizado de la imprenta y el correspondiente incremento en la literacia
(lecto-escritura) en menoscabo de la literacia visual. Y específicamente los
adelantos en las técnicas de impresión (litografía) que facilitó la
reproducción de obras en color y la eventual masificación de los medios
impresos.
- La invención
y desarrollo de la fotografía que indudablemente tuvo un efecto significativo
en una de las principales funciones del arte hasta ese momento, la
documentación y trasmisión de información y prácticamente afectó las fuentes de
"trabajo" de los artistas.
-
Las revoluciones nacionales y sociales que
caracterizaron el final del S. 18 hasta principios del S. 20, y que trastocaron
seriamente (en ocasiones eliminaron) la estructura de poder que había
prevalecido por siglos, particularmente la hegemonía de la realeza, de la
religión y de los poderes imperiales europeos.
De hecho la creación de
museos públicos y nacionales de arte surge durante esa época a raíz del desmantelamiento
de la cultura artística aristocrática y cortesana y del florecimiento del arte
burgués nutriéndose inicialmente de las, hasta ese momento, colecciones
privadas de estos.
5. En el S. 20 y en la Actualidad
•
A
partir de finales del S. 19, durante todo el S. 20 y hasta la actualidad, la
valorización y la comercialización del arte, la utilización del arte como bien
económico (inversión), muchas veces confunde y reemplaza la apreciación
individual y colectiva de las obras de arte, de sus valores intrínsecos y
funciones tradicionales.
•
En siglo pasado (S. 20) como consecuencia de el
aumento en la producción en masiva de objetos de uso y consumo y con el acceso
a los importante y rápidos desarrollos en la tecnología, el concepto de lo que
es arte se expande para incluir nuevas y diversas formas de expresión, nuevas
tecnologías y nuevos medios que se nutren de conceptos, preocupaciones y
necesidades contemporáneas a su vez expandiendo la definición de lo que es arte.
Algunos de los eventos significativos que estimulan estos cambios son:
- acceso generalizado a
la fotografía y el cine/video
- acceso generalizado a
medios digitales
- la globalización (medios
comunicación masiva)
- estímulo (culto) a la
innovación, a lo nuevo
•
En el mundo contemporáneo las artes ya no
necesariamente responden a los nociones y estándares (reglas) tradicionales de
la creación individual de la obra de arte, ni a la cosmovisión o estética
colectiva. De hecho muchas de las obras de arte contemporáneo se dan en el
contexto de clara oposición, en tono de reclamo y comentario adverso a las
nociones tradicionales del arte, a la visión colectiva y a los poderes
políticos, religiosos y económicos (el arte como expresión de protesta.)
•
En cuanto a la ausencia de calidad técnica y/o
expresiva de la que se comenta aquejan muchas de las expresiones de arte
contemporáneo, es relevante reconocer que en ocasiones los objetos de arte
contemporáneos son de pobre factura y/o incorporan objetos encontrados, desechados,
reciclados y/o de uso común, en los que con frecuencia se puede apreciar poco o
ningún virtuosismo técnico en su producción (a veces a propósito - arte
Conceptual y arte Povera), pero que están cargadas de una excepcional calidad
expresiva.
NOTA:
Funcionalmente, los cambios a la largo de la historia operan
en un proceso aditivo , los nuevos se suman a los anteriores. Se
expanden los criterios de definición de lo que es arte y se añaden nuevas
funciones, en algunos casos manteniendo muchos de los criterios y funciones
originales y tradicionales como alternativas (posibilidades.)
Bibliografía:
Benjamin, W. (1936). The Work of Art in the Age of
Mechanical Reproduction, in Arendt H. ed. (1969) Illuminations: Essays and
Reflections. NY: Shocken Books. En español : La obra de arte en la época de su reproductibilidad mecánica.
Graham G. (2005) Philosophy of Arts: An Introduction to
Aesthetics. 3rd ed. London-New York: Routeledge.
Read H. (1990). The Philosophy of Modern Art. London-Boston:
Faber and Faber.
SUSAN SONTAG (EEUU, 1933-2004):
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SUSAN SONTAG (EEUU, 1933-2004):
- Notas sobre lo Camp, 1964
- Contra la interpretación, 1966
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NOTAS SOBRE LOS ARTISTAS: Proceso educativo y Proceso Creativo
I. Proceso educativo:
Educación y entrenamiento: Formal o Informal 1
En la civilización occidental y en muchas otras podemos identificar cuatro modelos educativos que se han
utilizado para desarrollar (educar y entrenar) aspirantes a artista:
autodidaxia, aprendizaje (maestro/aprendiz), académico y universitario; cada
uno con sus variantes y vertientes. Los primeros dos, que consideramos de
carácter más informal, han estado en uso (y continúan estando disponibles)
desde el origen de la humanidad, mientras que el tercero y el cuarto, que
identificamos como académico y universitario, tienden a ser más formales y son
relativamente más recientes.
Desde el origen hasta el S. 16 el Renacimiento
En sociedades tradicionales, las civilizaciones antiguas
y hasta el Renacimiento la "educación y/o el adiestramiento" de
disciplinas relacionadas al arte ocurría:
– Mediante el modelo de experimentación autodidacta
(auto-aprendizaje) donde los aspirantes aprendían (descubrían) y desarrollaban
sus destrezas por ensayo y error (trial and error.) Al principio, sin prototipos a seguir, pero
muy prontamente con conocimiento de ejemplos y modelos a seguir.
– Mediante el modelo de aprendizaje (maestro/aprendiz),
mayormente en el contexto de talleres de producción de artesanos y artistas en
los cuales los jóvenes aspirantes fungían como "ayudantes/aprendices"
y donde colaboraban en el proceso creativo y/o copiaban el trabajo de los
"maestros" hasta satisfacer las exigencias de los mismos, o sentirse
capacitado para ganarse la vida como artista.
A partir del S.
16 y hasta principios del S. 19… además de la arriba mencionadas
Aunque
desde la época clásica griega (S. 4) ya existían escuelas/academias de arte no
es hasta el S. 16 cuando se funda la 1ra academia independiente de arte en
Florencia, Italia (1562 - Medici descrito por Vasari). A partir de ese momento y en adelante, la educación
artística se desarrolla mayormente en el contexto de academias de artes
organizadas, donde se enfatizan las tradiciones y cánones establecidos. En
estas, los aspirantes a artistas pasan por un proceso de selección y un riguroso
adiestramiento más formal que incorpora tanto el desarrollo del conocimiento y
la practica de los medios y las técnicas de creación, como el de los aspectos
relevantes de la estética, las ciencias naturales y la historia del arte.
Del S.20 al presente (S.21)
Aunque todavía persisten variantes, menos rigurosas, del
modelo académico (ej. escuelas privadas de arte y organizaciones como la Liga
de Estudiantes de Arte de San Juan y talleres en los Museos de arte), a partir
del siglo pasado, se reconoce la importancia del arte y la enseñanza de arte se
integra como parte del sistema educativo oficial a todos los niveles.
Ya a principios del S. 20 se desarrollan modelos
innovadores de enseñaza formal en las artes, arquitectura y diseño orientados a
la experimentación como el Bauhaus - 1919 - 1933 (W. Gropius, J. Albers, W. Kandinsky, P. Klee,
J. Itten, Moholy-Nagy y otros.) Más adelante, después de la 2nda Guerra
Mundial, se generaliza la incorporación de programas y departamentos de arte a
los ofrecimientos académicos de nivel universitario y post-graduado con
variantes del currículo de las academias de arte combinando la enseñanza
práctica en talleres con el desarrollo de conocimientos sobre la historia del
arte integrado a una educación general (artes liberales.) Se crean áreas de especialización práctica
conducentes a grados de Bachillerato (BFA) y Maestría (MFA) complementado con
especializaciones en otras áreas: Historia del Arte y más recientemente
Museología, Curaduría, Preservación, Restauración y Crítica entre otras.
II. Proceso creativo 2
En teoría el proceso de crear arte es un
proceso interactivo, no-lineal y según lo describió G. Wells en su libro
"El arte del pensamiento" (1926) puede incluir:
- Preparación:
un proceso consciente donde la artista identifica el objetivo creativo y recopila
información, investiga y organiza datos en relación al contenido y al (los)
medio (s).
- Incubación:
un proceso generalmente inconsciente donde la mente del artista desarrolla las
ideas y las imágenes visuales y donde el artista puede tener incidentes de
"revelaciones."
- Inspiración:
el momento en que se "revela" la solución(es) al dilema o
"problema" creativo. Se reconoce conscientemente, genera placer y
seguridad y el artista se esfuerza por "capturarlo (documentarlo.)"
- Verificación / Revisión:
incluye el proceso de concretar y verificar su idea, llevarla a su forma final
y culmina con la presentación de la obra.
Experimentación / Innovación
Arte e Innovación: La actividad artística siempre ha sido uno de
los principales vehículos para nuevas ideas, nuevas formas de resolver
problemas (materiales, herramientas y técnicas) y de nuevas formas de ver el
mundo físico (y a nosotros mismos: física, psicológica y filosóficamente.)
•
El proceso de producción
del arte es uno eminentemente experimental, mediante el cual los seres humanos crean,
descubren, conocen y utilizan nuevos materiales, herramientas y técnicas. La
producción y presentación de objetos de arte estimulan la creatividad, la
investigación, el conocimiento, la invención y promueven y/o utilizan el
desarrollo de adelantos científicos y tecnológicos.
•
A lo largo de la historia
(en épocas antiguas y en el mundo contemporáneo) también podemos observar la
relación del arte con las ciencias puras tradicionales y los avances tecnológicos y viceversa: Matemática (geometría y
trigonometría), química, física (mecánica, óptica, colores), biología
(botánica, zoología, medicina), etc.
La ilustración: su función en la botánica y la zoología -
Dr. Agustín Stahl y John Audubon
Arquitectura: la ciencia y el arte - Antonio Gaudi, Santiago
Calatrava y Frank
Ghery
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1.
Goldstein, C. (1996) Teaching Art: Academies and Schools from Vasari to
Albers. Cambridge: Cambridge University Press.
2. Velasco Barbieri, P. (2007) Psicología y
Creatividad: Una revisión histórica. Caracas: Publicaciones U Central de
Venezuela.
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No todo el arte es artesanal (alguno es), ni todas las artesanías arte (algunas son)... por tanto, la distinción entre estas dos vertientes de estas prácticas creativas requiere análisis individual.
• El concepto de artes populares
(quizás mal llamadas artesanías) en la sociedad contemporánea es utilizado para
describir objetos que, aunque pueden incorporar aspectos que corresponden a
objetos de arte, su función es mayormente práctica, frecuentemente orientada a la celebración
de aspectos de la cultura popular (o
de la percepción de lo que es la cultura popular) y servir
de recordatorio
(evidencia) de visitas a lugares y/o actividades memorables (souvenirs).
• Aunque se fabrican manualmente
(artesanalmente), no
son objetos únicos (se reproducen copias múltiples basadas en
modelos aceptados y establecidos). El propósito principal de su creación es la venta
pública y el ser objetos representativos de la cultura, no necesariamente la expresión
individual/única/personal del creador.
• Sin embargo, como hemos establecido, al igual que un objeto con una función práctica, un objeto de artes populares (artesanía) puede ser considerado un objeto de arte si su calidad técnica y/o expresiva va más allá de lo necesario para llevar a cabo su función.
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