REPASOS

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El examen de mitad de semestre será el próximo MIÉRCOLES 30 de OCTUBRE, 2019 (a la hora y en el salón de clase que corresponda a su sección)

ART 102 - APRECIACIÓN DE ARTE

 REPASO - EXAMEN PARCIAL I

I. Escoger la mejor contestación @ 2 puntos = 80

A. ¿QUE ES ARTE? (Conceptos y Definiciones)

1. La creatividad es una de las capacidades de los seres humanos que algunos reconocen como un instinto y que responde a: la necesidad de ofrecer "soluciones" (resolver) problemas, condiciones y/o situaciones concretas, filosóficas y/o emocionales.

2. La estética es un aspecto fundamental del desarrollo de nuestra capacidad para apreciar el arte y que podemos describir como: la rama de la filosofía que trata del análisis y el entendimiento de la experiencia afectiva (sentimientos y emociones) que genera la percepción de la belleza en el contexto de una cultura y una época (el gusto colectivo).

3. El concepto cultura se refiere a un conjunto de formas y expresiones que caracterizarán a una sociedad en un lugar y tiempo determinado incluye: aspectos intangibles (de tipo intelectual, filosófico, religioso) y aspectos tangibles (la cultura material), comunes a la gente que integra el grupo, transferibles a la próxima generación.

4. . El arte es una de las más reconocidas y apreciadas manifestaciones de la creatividad humana y que podemos describir como:  la expresión o producción intencional de objetos, experiencias o actividades  originales, que tiene una calidad y un significado más allá de lo ordinario o necesario.

5. Las expresiones artísticas también se consideran como un medio compartir experiencias humanas (real o imaginario) y, como tal, una forma alterna de: interacción humana, un intento de comunicar y/o compartir con otros.

6. Algunas de las diversas formas y actividades humanas que podemos considerar expresiones de arte incluyen: artes de representación (baile, música, teatro, cine), la literatura y las artes visuales o plásticas (pintura, escultura grabado, fotografía, etc.)

7. Además de calidad técnica (expresión de virtuosismo), para poder considerar un objeto o actividad como una obra de arte debe: ser premeditado (intencional), original (único), estimular (evocar) una experiencia significativa (sensaciones, emociones, sentimientos) y reflejar (comentar o criticar) y/o contribuir al bien social, a la cultura.

B.  APRECIACIÓN DE ARTE

8. La apreciación del arte es una actividad intelectual y a la vez existencial, una experiencia compleja e integral que puede incluir y, a menudo integra: sensaciones (los sentidos), emociones, la investigación, el análisis, la reflexión y la crítica (evaluación)

9. Aunque para derivar satisfacción del arte no es necesario entenderlo, la experiencia estética ocurre como resultado de la interacción entre una obra de arte y: un espectador preparado (informado) y sin prejuicios (estereotipos, etiquetas, generalizaciones), dispuesto (disponible) a experimentar sensaciones y emociones.

10. Los procesos de creación y de apreciación de obras de arte nos ponen en contacto con: nuestras emociones, nos hace sensibles y nos ayudan e entender a otros seres humanos y a nuestro medio (sociedad y ambiente.)

11. Además de su importancia para nuestro desarrollo personal y la búsqueda de la auto-realización el arte nos ayuda a crear: ambientes agradables y estimulantes para la actividad humana (hogar, trabajo, espacios públicos.)

12. Siendo una actividad eminentemente experimental (técnica y filosóficamente), es indudable que el arte también ha contribuido al: desarrollo de adelantos científicos y de nuevas ideas y formas de ver el mundo.

13. El proceso de creación de una obra de arte parte de la necesidad del artista de compartir (comunicar) experiencias significativas y tradicionalmente requiere: el desarrollo de la capacidad para "visualizar" (imaginación) y de la capacidad para manipular y transformar materiales (destrezas).

14. En teoría el proceso de creación de una obra de arte es una compleja actividad que puede incluir: un proceso de preparación (investigación, observación), un período de incubación (análisis y evaluación), momentos de inspiración y un proceso de actividad donde se concretan las ideas (producción, verificación y revisión) culminado con la presentación de la obra a una audiencia (público.)

15. Tradicionalmente (sociedades tradicionales hasta el Renacimiento) los artistas se entrenaban sirviendo de aprendices en los talleres de los “maestros”, sin embargo, desde el siglo 17 y en la actualidad los artistas son mayormente entrenados: en instituciones de educación formal donde los artistas reciben adiestramiento formal tanto, en los aspectos técnicos de la creación de arte como en la historia del arte.

16. En teoría el proceso de apreciar obras de arte puede incluir: un diálogo interno y con otros en torno a cómo nos hace sentir, un proceso de análisis intelectual en torno al contenido de la obra y como se relaciona a nosotros (nuestra sociedad), la identificación de los elementos formales de la obra (formato, medio, elementos del diseño y composición) y el estudio del contexto histórico y cultural en que fueron creadas.

17. La experiencia y el proceso de apreciar una obra de arte está irremediablemente influenciado por: nuestra percepción personal (gustos y aversiones) y por los estándares o preferencias estéticas de una cultura y una época.

18. Aunque con frecuencia los artistas están directamente involucrados en la creación del objeto físico (la obra de arte) en el contexto del arte moderno y contemporáneo se considera: aceptable que los artistas utilicen objetos "encontrados" y/o manufacturados y contraten parte o todo el proceso de creación del objeto de arte a especialistas y/ técnicos.

19. Aunque a lo largo de la historia la diferenciación entre las "bellas artes" y las "artes populares" se ha basado en conceptos de clase social y de valorización (económica) de estos objetos, en nuestra época reconocemos que las "artes populares": tienden a ser poco originales (repetitivas) y generalmente no tienen la calidad técnica y/o expresiva de las obras de arte

20. En las sociedades tradicionales y en la antigüedad los objetos de arte eran mayormente apreciados por su capacidad para representar y/o celebrar: la cosmovisión y las creencias religiosas basadas en el desconocimiento de las fuerzas de la naturaleza y el culto a antepasados del grupo (de la sociedad.)

21. En las sociedades tradicionales y en la antigüedad (hasta entrado el siglo 18) generalmente los artistas estaban subordinados o pertenecían a: las élites sociales / económicas (clases dominantes/privilegiadas), los representantes del poder político y/o religioso.

22. A partir de la revolución industrial y el desarrollo del capitalismo (a partir del siglo 19), las artes comienzan a liberarse de sus funciones tradicionales y se convierten en vehículos para: expresiones individuales (personales) en ocasiones de oposición y de reclamos a las creencias colectivas y a los poderes políticos, económicos y religiosos.

23. Algunos de los eventos (cambios) significativos (a partir del S. 19) que influenciaron y estimularon la liberación del arte de sus funciones tradicionales fueron: el uso generalizado de la imprenta, la aumento en la literacia (lecto-escritura), el desarrollo de la fotografía y la evolución del capitalismo (especialmente la producción en masa de objetos de uso cotidiano.)

24. Además de apreciar las obras de arte por sus cualidades intrínsecas, a lo largo de la historia de la humanidad estas también han sido utilizadas y reconocidas como: objetos representativos (identificadores) de poder (político, religioso, económico), medio para documentar la historia de las élites sociales y por su valor de intercambio (inversión económica.)

25. A pesar de que en la situación ideal la comunicación entre el artista/creador y la audiencia puede ser inmediata y clara, tenemos que aceptar que como en otros aspectos de la vida la comunicación no siempre es efectiva y la audiencia debe reconocer su prerrogativa de recurrir a su interpretación personal de la obra de arte.

C. TIPOLOGÍA DE LAS OBRAS DE ARTE

26. Identificamos obras de arte como de tipo representativo (figurativo) porque: podemos claramente reconocer/identificar imágenes y objetos (lugares, personas, animales) representados

27. El arte representativo (figurativo) surge de la urgencia (necesidad) del ser humano de reconocer y reproducir la naturaleza que acompaña toda la historia del arte europeo y se conoce como: mimetismo, la imitación de la belleza natural y la utilización de la misma para expresar ciertos contenidos.

28. Identificamos obras de arte como de tipo abstracto-figurativo cuando: todavía podemos reconocer/identificar objetos (lugares, personas, animales) representados aunque estén intencionalmente alterados o distorsionados para enfatizar o revelar aspectos o cualidades no aparentes (la esencia de las cosas.)

29. Aunque ha una tendencia a asociar el desarrollo del arte abstracto con el arte moderno y contemporáneo, tenemos que reconocer la utilización del concepto de la abstracción en las expresiones artísticas desde los comienzos de la humanidad como en los casos de pinturas rupestres (en cuevas), esculturas africanas y petroglifos (grabados en piedras) de sociedades precolombinas Antillanas entre otros.

30. Identificamos obras de arte como de tipo abstracto no-representativo (no-figurativo) porque: rechazan la apariencia y el concepto del mimetismo haciendo énfasis en la calidad expresiva de la obra y especialmente en la manifestación / evocación de emociones y sensaciones.

31. En la creación de arte no figurativo el artista tiene que recurrir casi exclusivamente a la utilización de: los elementos del arte y el diseño y los principios de la composición en un intento de sugerir o evocar la memoria de los lugares, situaciones, experiencias, emociones y sentimientos.

32. Similar a como sucede con el arte abstracto, a pesar de que ha habido un evidente resurgimiento de tendencias hacia la no-representación (no figurativo) en el arte moderno y contemporáneo (durante el siglo 20) como reacción al arte académico, podemos identificar muchos objetos de arte con características no figurativas entre las : expresiones artísticas de humanos a través de la historia, sobre todo en la producción de arte de las sociedades tradicionales (prehistóricas y antiguas civilizaciones).

33. Las obras de arte conceptual rompen con los esquemas tradicionales del arte y establecen como principios básicos que: la idea es el elemento más importante de la obra y por tanto la ejecución (calidad técnica) es secundaria y que el artista puede declarar cualquier idea, objeto, o actividad como una obra de arte.

34. Aunque los artistas conceptuales pueden utilizar tanto medios tradicionales como nuevos medios, el arte conceptual con frecuencia presenta: ideas o conceptos que están en oposición, a veces crítica, en espíritu de confrontación y de rechazo a las nociones estéticas imperantes e inclusive a las ideas generalizadas de lo que se considera arte.

D. EL CONTENIDO (ÁREA TEMÁTICA O GÉNERO)

35. En las artes visuales/plásticas el término géneros se refieren a: categorías temáticas generalmente identificables sin límites fijos formados por vago conjunto de criterios (convenciones) y se aplican sobre todo al arte representativo y abstracto tradicional.

36. El tema de una obra de arte puede ser explícito o implícito y tradicionalmente se clasifica en grupos genéricos (géneros) como: Histórico, Mitológico/Religioso, Retrato, Figura Humana, Paisaje, Vida Cotidiana /de Género (actividades y personas/no retrato) y Naturaleza Muerta.

37. Debido a la dificultad en reconocer y/o identificar imágenes (personas, lugares, objetos) en el contexto del arte abstracto y más aún en las expresiones de arte no-figurativo y arte conceptual, para orientarnos y ayudarnos a descifrar y entender el contenido (mensaje, tema, significado) debemos referirnos al título de la obra y otra documentación o materiales escritos que provea el artista.

E. EL LENGUAJE DEL ARTE

38. El lenguaje del arte incluye aspectos relacionados a: el formato, el/los medios de creación (técnicas y materiales) y a la utilización/aplicación de los elementos del diseño y los principios de la composición.

39. El formato de la obra se refiere a: las características de su forma y escala (tamaño) y muy especialmente su proyección en el espacio, las dimensiones.

40. El formato de una obra de arte puede ser clasificado en dos categorías generales: bidimensional como la pintura, el dibujo y la fotografía, o tridimensional como la escultura, las instalaciones y la arquitectura.

II. IDENTIFIQUE - Escoja mínimo 10 @ 2 puntos = 20

En las siguientes imágenes de obras de arte (próximas 3 páginas): Identificar Formato, (tridimensional - 3D, bi-dimensional - 2D), Tipo (figurativo, abstracto-figurativo, abstracto no-figurativo, conceptual), y Género/área temática (Histórico, Mitológico/Religioso, Retrato, Figura Humana, Paisaje, Vida Cotidiana,Naturaleza Muerta, Otros. )